Las Dos Carátulas

"Bodas de sangre", de Federico García Lorca, es una creación fundamental. Con "Yerma" y "La casa de Bernarda Alba" compone un tríptico impar dentro del teatro español contemporáneo y cada una de las partes ocupa, por sí mismas, un lugar descollante en la dramática universal de nuestro tiempo. Alfredo de la Guardia asevera que por "Bodas de sangre" corre "la vena colorida y sustanciosa del siglo de oro hispano". La tragedia lorquiana desarrolla el conflicto de pasiones incontroladas que viven una mujer y un hombre con los raigones bien hundidos en dura tierra de labriegos. En "Yerma" se muestra el drama desgarrante de la hembra infecunda -no por culpa de la mujer, se entiende-, y en "La casa de Bernarda Alba" flamean los girones estremecidos de una virginidad forzada, que se alborota hasta la rebelión. En "Bodas de sangre", a su vez, se impone, incontenible, la pasión carnal que "en un día, entre las dos y las tres", llevará a dos hombres a enfrentarse en un duelo rabioso, que dejará dos muertos. La nov

"El casamiento", de Nikolái Gógol, es una comedia que transcurre en un pequeño pueblo de Rusia y cuenta una historia que, por ese entonces, era un episodio corriente: las divertidas desventuras de un solterón vocacional llamado Podkolésin (derivado de pod koleso, en ruso el que debe caer), un amigo entrometido, una mujer casadera y una casamentera ducha en caídas. Los hombres en general son torpes y vergonzosos, lo que permite vislumbrar pocas esperanzas de que la boda se concrete con un final inesperado y sorprendente, muestra de gran teatro. Así las situaciones, las palabras y los tipos son de una comicidad directa y que mueve a la risa más franca y candorosa. Hay mucho del encantador infantilismo en esta sátira sin amargura en torno del trance matrimonial de Agata y sus pretendientes. "El casamiento" se estrenó en 1897, en el Teatro de Arte de Moscú.

Desencajado y hastiado por la celeridad con que su mundo se ha visto colapsado (la muerte de su padre seguida prontamente por el casamiento entre su tío –ahora nuevo rey- y su madre; la omnipresencia de su padre y las inquietantes revelaciones que este trae), Hamlet rechaza la oferta de su tío de quedarse quieto y heredar a su turno el reino. En cambio, desencadena el desconcierto, la locura y pone en jaque a un gobierno. El desbarajuste será total, y la muerte se precipitará sobre todos los personajes.

"Al campo", de Nicolás Granada, es la obra que presenta esta nueva emisión del ciclo federal de "Las Dos Carátulas". En esta ocasión, desde la provincia de Salta. La obra se esquematiza con humor y términos del campo-ciudad, mediante el trazado de prototipos que llevan la antítesis valiéndose, a veces, de máscaras intencionadas, pero amables y graciosas. Hay que decir que los efectos cómicos de la obra descansan, sobre todo, en la dificultad de ciertos personajes. Básicamente "Doña Fortunata", para manejar códigos que resultan plenamente ajenos a su visión de mundo. A la manera de aquellos recursos que Alberto Vaccarezza llevará a la perfección, Doña Fortunata también hace gala de un híbrido lexical muy jugoso.

"El hombre que yo maté", de Maurice Rostand, es una de esas piezas que por los años inmediatos al término de la Primera Guerra Mundial abundaban tanto en los escenarios europeos como en las pantallas del cine mudo. Obras que variaban de conflicto y, a veces, de argumento, pero que conservaban el mismo espíritu. Un espíritu antibélico que se reflejaba en muchas obras, sobre todo de Giraudoux, de Jacques Bernard y de Paul Reynal.

"La loca de Chaillot", de Jean Giraudoux, es una sátira poética con tintes políticos, que se estrenó en París durante la ocupación alemana, en el año 1943. Aurelia, una condesa de París de los años 40, que es conocida como La Loca de Chaillot, descubre que en el barrio donde vive hay una conspiración para realizar unas prospecciones subterráneas y apropiarse del petróleo de la ciudad de París. Alarmada y harta de la creciente deshumanización de los hombres parisinos, confecciona un plan apoyada por sus amigos incondicionales para deshacerse de los conspiradores. Celebrarán un juicio secreto y condenarán a muerte a todos ellos, encerrándolos en el sótano de la casa.

Desde su estreno en 1916, La enemiga, del dramaturgo italiano Darío Niccodemi, ha sido un título clásico en el repertorio de grandes actrices como María Guerrero, María Fernanda Ladrón de Guevara, Eugenia Zúffoli y Amparo Rivelles. La obra presenta un conflicto familiar y de sentimientos sobre el remordimiento de una madre ante la posible injusticia con uno de sus hijos. Un enfrentamiento emocional en un escenario naturalista. Hoy, recordamos la versión que grabara Las dos carátulas con la participación especial de Susana Campos.

Desde San Carlos de Bariloche, Río Negro, "Las dos carátulas" emite una nueva edición de su ciclo federal. En esta oportunidad, la obra elegida es Mariana Pineda. Su protagonista es es conocida como la "Mártir de la Libertad". Tenía ideas liberales y, al encontrarle las autoridades de Granada bordando una bandera liberal que reclamaba 'Ley, Libertad e Igualdad', fue condenada a muerte y ajusticiada en 1831. En un homenaje que le brindaron en la ciudad española, en 1929, Federico García Lorca LORCA declaró que había que hacer justicia a Mariana Pineda y la obra de teatro fue escrita en su honor. Recibiendo numerosas influencias históricas de la heroína y leyenda española, "Mariana Pineda" aborda la historia de una mujer del mismo nombre que, en parte bajo las influencias de su amante Don Pedro de Sotomayor, se comenzó a involucrar más en el movimiento liberal, siendo éste el primero sus mayores preocupaciones, sobreponiéndose al cuidado de sus niños y sus relaciones familiares y sociales que se vieron lige

"A ver si cuidas de Amelia" es un vodevil en tres actos, y es considerado la obra maestra de George Feydeau. Estrenado en París, en el Théâtre des Nouveautés, el autor hace gala de un rigor y de una precisión implacables en el modo de mover los personajes y en la composición de las situaciones, conduciéndoles de la mano, firmemente, hacia una solución plausible. Se añade a ello un diálogo vivo, chispeante, directo, precipitado, plagado de palabras y recursos del autor, a menudo cómicos, que hacen perdonar la psicología, pobre a veces, de los personajes.

En una localidad cuya principal fuente de riqueza es su balneario, el doctor Thomas Stockmann descubre que sus aguas están contaminadas y advierte sobre los graves peligros que amenazan la salud de los habitantes del pueblo y de los turistas y pacientes que lo frecuentan. Pero tropieza con el rechazo frontal de influyentes personajes, entre ellos el alcalde, que es además su propio hermano. Todos parecen más preocupados por los inconvenientes económicos que implicaría la desinfección del agua y por la posible pérdida de clientes que sufriría el balneario que por el efecto perjudicial que tendría en su salud. Como en otras obras del dramaturgo noruego, en Un enemigo del pueblo se exalta la figura del individuo rebelde e idealista a través del personaje de Stockmann, quien ha sido considerado como el reflejo del mismo Ibsen y portavoz de sus ideas respecto de la corrupción de la vida política moderna, las fallas de la democracia parlamentaria y los problemas que puede acarrear la existencia de una mayoría comp

Desde Córdoba Capital, Las dos carátulas, en su versión federal, presenta "Las de Barranco", una de las piezas más reconocidas del prolífico autor Gregorio de Laferrere. Un clásico de la literatura Nacional, que refleja una situación social que es el eje fundamental de esta historia. Con tintes dramáticos y pinceladas de comedia, nos permite descubrir a la viuda del capitán Barranco, mujer inescrupulosa y capaz de lucrar con sus propias hijas y empeñar su propia alma con el afán de mantener un lugar en la sociedad. Fría, autoritaria y calculadora, su egoísmo ha sido la única fuerza para manejarlo todo. Intentará manipular a todos, pero no podrá con "El amor".

Una comedia en tres actos: Tartufo es uno de los personajes más singulares de la creación dramática de Molière. Se ofreció en 1664, ante Luis XIV y su corte. De inmediato, se levantó la fuerte reacción de quienes se suponían señalados, de manera particular, y empezaron las prohibiciones. En 1667 llega completa la comedia y cuando dos años después se pone y edita por cuenta del autor “con privilegio del rey”, se la denomina "Tartufo" o "El impostor". Con respecto al nombre que calificara definitivamente a una individualidad taimada y tramposa, se habla de antecedencias alemanas (der Teufel: el diablo), de que en la baja Italia se daba a "tartuffe", la acepción de charlatán y mentiroso. Lo cierto es que desde Molière, Tartufo es una figuración de vigencia permanente y con decidido contenido humano canallesco.

En La edad de merecer, Federico Mertens crea una comedia costumbrista urbana típica de la dramática nativa de la primera década del siglo pasado. Por espíritu y formulación, se encuentra en la línea que encabezan obras como En familia, de Florencio Sánchez, y Las de barranco, de Gregorio de Laferrere, aunque varíen los logros y difiera en la importancia de sus alcances.

Los días de Julián Bisbal, de Roberto "Tito" Cossa, es una obra de estética costumbrista, testimonio de la clase media argentina y de las frustraciones que atraviesa un hombre que llega a cierto momento de su vida. Cuestionándose "qué hice de ella", Julián Bisbal es un ser simple, casado con una mujer tan simple como él, Carmen, aterrada ante la idea de que su marido se quiera separar o pueda perder su empleo. Desilusionado de la vida, Julián transita en un día por el bar, donde el dueño le hace ver que lo que no se hizo no se hace más. Julián Bisbal es el prototipo del antihéroe, rodeado de sus pequeñas ambiciones cotidianas.

Crónica de un secuestro es una alegoría. Parte de la premisa de que la culpabilidad y la inocencia en nuestra sociedad son conceptos tan relativos como la seguridad y la desprotección. El secuestro, situación límite, sirve para desplegar ante nosotros el esqueleto de una sociedad corrupta, basada en el lucro y la mentira. Un individuo obligado a desnudar su vida por la fuerza de una amenaza cuya naturaleza desconoce es capaz de alcanzar intensidades trágicas y genera un fenómeno dramático, allí, en algún punto medio entre los actores y los espectadores, donde el teatro cobra su verdadera vida.

La acción se inicia en las primeras décadas del siglo XX. Son tres etapas amables de un grupo familiar que muestran momentos trascendentes en el fluir de los acontecimientos, tanto privados como del contexto que los rodea. Edmundo Guibourg señala que se está ante "una pieza sainetesca, en el mejor sentido de la palabra", y el juicio del maestro equivale a un merecido elogio. Arturo Berenguer Carisomo, por su parte, asevera que los autores "mos colocan en nuestra propia circunstancia vital y el problema por ellos descripto: la familia que se rompe, que se deshace", es algo que "atrae y cautiva sin remedio al espectador". Con la dirección de Nora Massi y la participación de un equipo de primeros actores.

"Locos de verano" es una obra perteneciente al autor argentino Gregorio De Laferrere. Una familia, venida a menos, discute su futuro mientras la vida los lleva la ruina. Un hermano que volvió de Estados Unidos cree haber encontrado la solución. Peleas de dinero y desencuentros amorosos. Y obviamente no puede faltar la presencia de los mucamos, impecables trabajadores que, a pesar de los maltratos de sus dueños, siguen al pie del cañón. Un texto clásico de nuestra cultura teatral que sigue causando repercusión.

Las mujeres sabias data de 1672. Moliére retrata un mundo de mujeres obsesionadas por los avances de la ciencia que se jactan de conocer en profundidad, pero de la que nada entienden. A través de esta sátira, el autor critica a los literatos pretenciosos y a las damas de la corte de su tiempo, así como la hipocresía reinante en la sociedad en que vivía. En esta comedia ácida la afectación y arrogancia de las “mujeres sabias”, Filaminta, Armanda y Belisa, y de su principal referente, el “erudito” Tritontin, contrasta con la sencillez de Enriqueta y su enamorado, Clitandro, cuyo único objetivo es casarse y disfrutar de su amor, o la de Crisalo, más preocupado por satisfacer su gula que por cultivar su espíritu. Las mujeres sabias se presentó en 1964 en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín dirigida por Carlos Muñoz para la Comedia Nacional. Hoy, Las dos carátulas la presenta con la participación especial de Edda Díaz.

Bien pudo ser este ámbito el que tentó una vez más a William Shakespeare para ubicar el nuevo tema que le rondaba y se concretaría en "La Tempestad". A los estudiosos de la dramática "shakesperiana" les sigue intrigando que la mayoría de los personajes que participaban en la obra lleven nombres y apellidos españoles. Yendo más a fondo, ha llegado a suponerse que el suceso original incitante bien pudo ser el ocurrido en 1526, durante la conquista española del Río de la Plata. Se alude a la leyenda del enamoramiento de los caciques indígenas Mangoré y su hermano Siripo, de la bella Lucía Miranda, esposa del soldado español Sebastián Hurtado, y la consecuente destrucción del Fuerte Sancti Spíritu levantado por las fuerzas de Gaboto, cerca del Río Paraná. La suposición parte de que en la pieza no sólo aparecen un Sebastián y una Miranda (hija de Próspero), sino también que Caliban- dado por John Wain como anagrama evidente de "cannibal" – se refiere a Setebos, tal como los habitantes primitivos de Tierra del

El scapin molieresco no es simplemente un ser que huye y escapa- que lo hará cuando le convenga- sino también es un ser pícaro creador de embrollos de los que, con maña y destreza, logrará salir siempre bien del apuro. El mismo Scapin de Moliere se define, en los primeros pasos de la comedia.